La fotografia notturna (o nightscape) e l’astrofotografia vera e propria, si basano su due concetti fondamentali, ovvero: quello della somma e quello dell’unione.

In entrambi i casi dovremo partire da una sequenza di scatti e poi elaborarli in modo differente; quindi, tutto la fotografia notturna non si basa su uno scatto singolo, ma sempre su una sequenza di scatti che poi andremo a trattare.

In particolare:

• nella somma, o stacking, dovremo partire da foto singole in cui le stelle sono puntiformi e l’elaborazione consiste nel mettere una foto sopra l’altra, facendo combaciare stella su stella, in modo da aumentare il rapporto segnale/rumore.

Questa tecnica è alla base per le classiche foto alla Via Lattea e di profondo cielo.

Dal punto di vista tecnico, i tre parametri fondamentali (tempi – diaframma – ISO) li dovremo gestire con delle regole ben precise: gli ISO li dovremo impostare ad un valore medio/alto (tra gli 800 e i 6400 in base al sensore) perché siamo di notte e dobbiamo rendere il nostro sensore sensibile alla poca luce che c’è. Esiste un valore specifico per ogni sensore che si chiama “best ISO”, ovvero il valore a cui ogni sensore ha la miglior risposta segnale/rumore.

Per quanto riguarda il diaframma, anche qui non dovremmo utilizzarlo al suo valore massimo di apertura, perché qualunque obiettivo, anche i più costosi, a tutta apertura non riescono a correggere bene il campo sul sensore e quindi verso gli angoli o i bordi, avrò le stelle allungate. Ciò è dovuto da un’aberrazione ottica chiamata “curvatura di campo”. Per risolvere questo problema basta chiudere il diaframma di uno, o massimo due stop, così da correggere automaticamente i problemi ottici presenti e avere stelle puntiformi su tutto il frame.

Infine, per quanto riguarda i tempi, dal momento che avremo la macchina fotografica ferma sul cavalletto e il cielo, dal nostro punto di vista, si muove, avremo un determinato limite di secondi entro il quale le stelle sono ancora puntiformi. Questo dipende dall’accoppiata lunghezza focale dell’obiettivo e sensore. In base quindi a queste caratteristiche potremo fare scatti lunghi dai 3 fino ai 20 secondi, oltre i quali le stelle diventeranno un po’ allungate e, in questo particolare tipo di tecnica, non va bene. Un’altra cosa importante da tenere a mente è considerare una piccola pausa fra uno scatto e l’altro, in modo tale da lasciar riposare il sensore dopo lo scatto.

QUALCHE ESEMPIO DI ASTRO E PAESAGGISTICA INSIEME

Se siete interessati a qualche informazione più tecnica vi lascio il link del mio corso di post produzione dove affronto questa tecnica privatamente, anche sulle vostre fotografie.

Spero che la recensione vi sia piaciuta, per qualsiasi domanda non esitate a contattarmi tramite il form nella sezione contatti.

Ci vediamo al prossimo articolo, a presto,

Erik

HDR, acronimo di “High Dynamic Range”, si riferisce a una tecnica fotografica che combina più esposizioni di una stessa scena con differenti livelli di luminosità per creare un’immagine finale con un’ampia gamma dinamica.

A COSA SERVE E QUANDO SI USA

L’obiettivo dell’HDR è catturare dettagli sia nelle aree più scure che in quelle più luminose di una scena, superando le limitazioni di esposizione dei sensori delle fotocamere.

Nella fotografia tradizionale, quando una scena ha un ampio intervallo di luminosità, ad esempio un tramonto con un cielo brillante e ombre profonde, potrebbe risultare difficile ottenere dettagli sia nelle zone luminose che in quelle scure. Se si espongono correttamente le zone luminose, le zone scure appariranno sottoesposte e prive di dettagli, mentre se si espongono correttamente le zone scure, le zone luminose risulteranno sovraesposte e prive di dettagli.

L’HDR risolve questo problema catturando più esposizioni della stessa scena con diversi livelli di esposizione, solitamente utilizzando una fotocamera montata su un treppiede per garantire che le immagini siano allineate perfettamente. Le esposizioni vengono poi combinate utilizzando un software specializzato o una fotocamera con funzionalità HDR integrata, che fonde i dettagli delle diverse esposizioni in un’unica immagine finale.

IL RISULTATO FINALE

Il risultato finale dell’immagine HDR è un’immagine che mostra un livello di dettaglio molto più ampio rispetto a una singola esposizione. Le zone luminose saranno ben esposte e dettagliate, così come le zone scure avranno dettagli visibili. Questo crea un effetto visivo molto realistico e accattivante, che può essere utilizzato per riprodurre fedelmente una scena con un ampio intervallo di luminosità.

Da notare che l’effetto HDR può variare da un aspetto molto naturale a uno più artistico e surreale, a seconda delle preferenze e dell’elaborazione applicata all’immagine finale. L’HDR può essere utilizzato non solo nella fotografia, ma anche nella registrazione video per ottenere risultati simili di elevata gamma dinamica.

COME SI REALIZZA

Continuando sulla spiegazione dell’HDR, è importante sottolineare che l’effetto HDR può essere ottenuto in diversi modi. Uno dei metodi più comuni è l’utilizzo di software di post-produzione, come Adobe Photoshop, Lightroom o software specializzati in HDR come Photomatix. Questi programmi consentono di combinare le diverse esposizioni e regolare i parametri per ottenere l’effetto desiderato.

Inoltre, molte fotocamere digitali moderne offrono la funzionalità HDR integrata. Queste fotocamere sono in grado di catturare automaticamente diverse esposizioni in rapida successione e combinarle internamente per creare un’immagine HDR direttamente dalla fotocamera, senza la necessità di post-produzione.

Ma il mio consiglio è quello di evitare tutti gli automatismi e di ragionare sempre e solo con la nostra mente e con il nostro bagaglio di esperienze sul campo e in post produzione. È fondamentale, quando si è sul campo, imparare a studiare e gestire la luce sapendo già chiaramente quale dovrà essere il risultato finale e scattare di conseguenza.

+1/0/-1? NON CI SIAMO

Sicuramente vi sarà capitato di andare sul campo e di provare a scattare un paesaggio in controluce, cosa è successo? Che in una fotografia il primo piano era completamente sottoesposto e il cielo invece perfettamente esposto mentre, nella seconda fotografia, il primo piano era esposto correttamente mentre il cielo completamente sovraesposto, giusto?

Cerchiamo di capire il motivo. La luce colpisce ogni superficie in maniera diversa, anche se questi due elementi si trovano a pochi centimentri tra essi, anche lo stesso elemento in diverse parti viene colpito in maniera diversa dalla luce. Fatta questa premessa adesso ragioniamo un attimo insieme: come è possibile che la luce sul mio primo piano sia a +1, il piano di mezzo a 0 e il mio cielo a -1? 

Ci sono tantissime sfumature di esposizioni e noi dobbiamo essere in grado di gestire completamente in autonomia sul campo la diversa esposizione della luce giocando con i nostri tempi di scatto. Per questo è fondamentale avere già bene in chiaro che fotografia vogliamo realizzare e soprattutto le nostre capacità di post produzione per capire poi come e quanti scatti andare a realizzare sul campo.

VANTAGGI DELLA TECNICA

I vantagi sono ben evidenti. Sicuramente il recupero delle alte luci e delle ombre bruciate garantisce all’immagine una profonodità maggiore che normalmente non potremmo ottenere in uno scatto singolo. Abbiamo anche più informazioni in fase di post produzione e una maggior lavorabilità di tutto l’aspetto legato ai colori. 

ESPERIENZA SUL CAMPO

Quando sarete sul campo il vostro nemico pi grande sarà il flare. Il flare non è altro che un’aberrazione dovuta dall’angolo di incidenza della fonte luminosa che, colpendo la vostra lente, restituisce sul sensore questo artefatto. Premesso che in alcuni casi è molto interessante, normalmente è vista come un errore, quindi come possiamo rimuoverla? È molto più semplice di quanto credi. Ci basterà frapporre il nostro dito tra la fonte luminosa e il nostro sensore e scattare la zona dove prima era presente il flare. Successivamente il dito sarà rimosso semplicemente andando a mascherare quella zona con un’altra fotografia dove non è presente.

TIRIAMO LE SOMME

Ecco le mie considerazioni finali sull’utilizzo di questa tecnica:

Pregi

• Massima gamma dinamica in ogni parte della scena

• Elevato numero di informazioni

• Fusione di due tecniche, Focus Stacking e HDR

• Tecnica necessaria finalizzata alla stampa

• Tecnica semplice, intuitiva e personalizzabile

Difetti

• Allungherà la vostra fase di post produzione

• Molto macchinosa i primi tempi

• Non potrete più farne a meno

• Necessario sempre l’utilizzo del cavalletto.

Se siete interessati a qualche informazione più tecnica vi lascio il link del mio corso di post produzione dove affronto questa tecnica privatamente, anche sulle vostre fotografie.

Spero che la recensione vi sia piaciuta, per qualsiasi domanda non esitate a contattarmi tramite il form nella sezione contatti.

Ci vediamo al prossimo articolo, a presto,

Erik

Oggi voglio parlarvi di qualcosa che non riguarda me nello specifico, ma un collega, uno stimato collega, Lorenzo Shoubridge. Fotografo naturalista pluripremiato, orgoglio italiano, negli anni ha collezionato tantissimi premi internazionali tra cui il più prestigioso nel 2022, per ben 4 volte negli ultimi 5 anni al WPY.

ATTITUDINE

“ATTITUDE” è il titolo del secondo libro di Lorenzo, dedicato questa volta al territorio del Mont Avic e della Valle di Champorcher in Valle d’Aosta.  Il volume avrà un formato di 30cm X 24cm e sarà composto da 192 pagine realizzate con materiali di altissimo pregio.

L’artista ha scelto questo titolo non a caso, ma perché l’attitudine è vita, il motore che alimenta la sua quotidianità e che lo spinge nelle sue avventure estreme.

Il progetto è frutto di un anno e mezzo sul campo che ha impegnato fisicamente e mentalmente il mio amico costantemente, alla ricerca di animali e paesaggi tipici della Valle D’Aosta.

CARATTERISTICHE DEL LIBRO

Il volume verrà prodotto con una tiratura di 750 copie non ristampabili, con un formato 30 X 24 cm su carta speciale 175gr,  racchiuso con una pregiata copertina cartonata. All’interno del volume saranno pubblicate circa 150 fotografie realizzate sul campo. L’autore, attraverso questo percorso visivo, ha voluto rappresentare non solo la biodiversità presente nel Parco del Mont Avic ma anche il viaggio interiore vissuto durante questo difficile lavoro.

Il libro sarà articolato in tre parti visive: luce/ombra/luce. L’oscurità e le ombre si troveranno al centro di questo volume mentre le luci, il bianco, la neve, il gelo ed il vitreo tepore che rende tutto più romantico comporranno la parte iniziale e finale, attraversando così le stagioni in cui la neve è sempre presente sulle Alpi. Un percorso che vuole soffermarsi non solo sulla bellezza di queste terre, ma anche su problematiche che da anni affliggono il pianeta, come il riscaldamento globale e il turismo poco sostenibile.

CAMBIAMENTO CLIMATICO

Questo progetto non tratta direttamente del tema ormai attuale, purtroppo, del cambiamento climatico ma è una raccolta fedele e indiscutibile che il nostro ecosistema è in continua mutazione e che ogni specie vivente verrà infuenzata, animali, piante e noi stessi.

La ricerca assidua di Lorenzo per catturare gli animali nel proprio habitat naturale è anche un’importante fonte documentaristica che attesta in maniera inattaccabile la grave crisi climatica che stiamo vivendo.

PERCHÈ SOSTENERE IL PROGETTO 

Un progetto fotografico è un il frutto della passione, della dedizione, dell’attitudine di un singolo artista che decide di sacrificare la sua vita per raccontarci una storia, per mostrarci e aprirci gli occhi su una situazione, bella o brutta che sia.

Conosco Lorenzo dalla sua pubblicazione al WildlifePhotographer Of The Year con la famosissima fotografia che ritrae un topo guercino a caccia e da allora non ho potuto far a meno di seguirlo sui social dove ho continuato ad essere un grande fan del suo lavoro: @shoubridgelorenzo

Per sostenere Lorenzo e acquistare il suo libro potete cliccare qui . Vi assicuro che ne varrà la pena, io la mia copia l’ho già ordinata e non vedo l’ora che mi arrivi per esporla nel mio studio, il posto sulla libreria è già pronto!

TIRIAMO LE SOMME

Spero che questo articolo un po’ fuori dalla programmazione classica vi sia piaciuto, per qualsiasi domanda non esitate a contattarmi tramite il form nella sezione contatti.

Ci vediamo in una prossima recensione, a presto,

Erik

Essere intervistato da Canon España è stato un vero piacere. Onestamento sono stato preso un po’ alla sprovvista, non perché non abbia mai rilasciato interviste, ma per il tema di questa piacevole chiaccherata: come fotografare paesaggi marini .

Chi mi conosce sa il mio rapporto con l’acqua in generale (nuoto a malapena) e sono un grande amante della fotografia di montagna con primi piani spinti come fiori, rocce o arbusti, ma grazie anche il tour a Tenerife e al mio passato sono riuscito nel tempo a realizzarmi un bel portoflio in ambienti marini e quindi nel seascape in generale.

Oggi sono qui proprio per darvi dei consigli se vi state approcciando a questo bellissimo mondo e in particolare se avete una passione per il mare e l’oceano.

Grazie Canon España per l’intervista e buona lettura:

INTERVISTA IN SPAGNOLO

Spero che l’intervista vi sia piaciuta, per qualsiasi domanda non esitate a contattarmi tramite il form nella sezione contatti.

Ci vediamo in una prossima recensione, a presto,

Erik

Non è solamente una discussione che si fonda sulle classiche domande impostate “come hai iniziato?” “cosa insegni ai tuoi corsi?” “come si fa a fare carriera in questo ambito?”, questa chiaccherata tra “amici” è uno scambio di idee, pensieri ed esperienze di giovani artisti che si stanno facendo strada nel mondo del lavoro e dell’arte italiana.

Non voglio rubarvi altro tempo vi posso solo dire che se amate la fotografia anche solo la metà di quanto la amo io troverete alcuni interventi molto utili ai fini professionali e personali. 

VI LASCIO ALL’INTERVISTA

Spero che l’intervista vi sia piaciuta, per qualsiasi domanda non esitate a contattarmi tramite il form nella sezione contatti.

Ci vediamo in una prossima recensione, a presto,

Erik

Il focus stacking è la tecnica principale per la fotografia di paesaggio perché è il passaggio che ci garantisce la massima nitidezza in tutti i pieni focali della nostra scena, dall’elemento più vicino alla nostra lente al più lontano.

A COSA SERVE E QUANDO SI USA

La risposta corretta e logica sarebbe “sempre” se si sta utilizzando una lente grandangolare, o con millimetraggi prossimi a questa tipologia. Infatti componendo con un grandangolo avremo una grandissima distanza tra un fiore, ad esempio, e una montagna sullo sfondo. Il focus stacking porta innumerevoli vantaggi, primo tra tutti la nitidezza in tutta l’immagine, ma non solo, infatti ci permette anche di ridurre le aberrazioni cromatiche e le deformazioni generate dalla distorsione di una lente grandangolare.
Il trucco è quello di dedicare la massima attenzione ad ogni elemento della scena, senza tralasciare lo sfondo e i margini del nostro frame, luogo dove sono maggiormente percepite le distorsioni.

IN CHE AMBITO VIENE UTILIZZATO

Questa tecnica viene utilizzata sempre in ambito paesaggistico se utilizziamo una lente grandangolare, non la utilizzeremo invece se montiamo un teleobiettivo, in quanto avremo già la messa a fuoco all’infinito.
Ma se siete appassionati di altre tecniche fotografiche come ad esempio Still Life, fotografia di interni o macro, questa è la tecnica perfetta per voi. Nella fotografia di Still Life molto spesso capita di avere più oggetti in una composizione e quindi di dover andare a realizzare più immagini, solitamente in base al numero di elementi da fotografare, e poi andare a fonderle insieme.
Nella fotografia di interni il concetto è molto simile al discorso per il paesaggio, dove però ad esempio al posto del fiore avremo una poltrona e al posto delle montagne avremo una finestra.
Questa tecnica nella fotografia di macro invece è fondamentale, specialmente se andiamo ad utilizzare dei tubi di prolunga, però non è il mio ambito quindi magari ve lo farò spiegare meglio da un mio collega nel settore.

COME SI REALIZZA

Applicare sul campo la tecnica del focus stacking è molto semplice, così come è molto semplice sbagliare, mi spiego meglio.
A livello concettuale devo andare a realizzare una fotografia con la messa a fuoco dedicata ad ogni soggetto che ho all’interno della scena, o meglio, con la messa a fuoco dedicata ad ogni gruppo di elementi che condividono un piano focale.
Il piano focale è semplicemente la porzione che noi valutiamo come “messa a fuoco” all’interno della nostra immagine.

Una volta sezionata la nostra scena, andiamo ad adattare tempi (t), diaframmi (f/) e iso al soggetto o al gruppo di elementi che ci interessa, così facendo andremo a realizzare un HDR insieme al nostro focus stacking.

Il nostro scopo sarà quello di avere più fotografie dove ognuna di esse racchiuda la messa a fuoco nel punto che a noi interessa, con la luce perfetta in quella porzione di campo, recuperando in un solo scatto nitidezza e gamma dinamica.

Qui sotto potete vedere un esempio realizzato con 5 fotografie per ottenere la perfetta messa a fuoco, ve ne mostrerò solamente tre per farvi capire visivamente la differenza di piani, dato che le due immagini per le distorsioni ai bordi nella parte inferiore delle immagini da web sono praticamente indistinguibili.

VANTAGGI DELLA TECNICA

I vantaggi, come già anticipato, sono molteplici. Dalla riduzione della distorsione ai bordi al recupero di qualità nelle zone perimetrali, dalla prevenzione delle aberrazioni cromatiche ai lati della vostra immagine a una nitidezza continua dal primo piano allo sfondo, garantendo così all’osservatore una lettura piacevole e guidata in ogni punto della vostra fotografia.

Come potete vedere da questo Before&After i vantaggi sono notevoli, qui in particolar modo vi vostro la differenza ottenuta tra uno scatto singolo utilizzando al legge dell’iperfocale e uno scatto utilizzando la tecnica del focus stacking.

ESPERIENZA SUL CAMPO

Non è sempre tutto rose e fiori quando siamo sul campo e per chi come me ama la fotografia di paesaggio potrà confermarvelo. Spesso, quando si scattano elementi volatili o soggetti a movimenti causati dal vento, incorriamo nell’effetto Ghosting, l’incubo di ogni paesaggista. Quando andiamo a fondere le nostre immagini e ad allinearle, se il nostro primo piano era sferzato dal vento, avremo una sovrapposizione di uno o più elementi in diverse posizioni della scena, complicandoci la fase di fusione. 

Questo è il rischio più grande quando si applica questa tecnica, specialmente in alta quota, dove il vento soffia perenne. 

Come risolvere questo problema? Semplice, trovate tutto nel video tutorial che vi lascio a fine dell’articolo.

TIRIAMO LE SOMME

Ecco le mie considerazioni finali sull’utilizzo di questa tecnica:

Pregi

• Massima nitidezza in ogni piano focale della scena

• Elevato numero di dettagli

• Fusione di due tecniche, Focus Stacking e HDR

• Recupero di gamma dinamica

• Tecnica necessaria finalizzata alla stampa

• Tecnica semplice, intuitiva e personalizzabile

Difetti

• Allungherà la vostra fase di post produzione

• Molto macchinosa i primi tempi

• Non potrete più farne a meno

• Necessario sempre l’utilizzo del cavalletto.

Se siete interessati a qualche informazione più tecnica vi lascio un link  che vi porterà al sito di Lights Hunters, il mio gruppo di fotografia, dove potrete anche leggere le recensioni dei miei studenti e che benefici hanno tratto da questa tecnica.
 

Spero che la recensione vi sia piaciuta, per qualsiasi domanda non esitate a contattarmi tramite il form nella sezione contatti.

Ci vediamo al prossimo articolo, a presto,

Erik